artikel

Waarom we allemaal een beetje kunstenaar moeten worden

Bij AimAtArt gebruiken we de metafoor van de linker en de rechter hersenhelft. Links staat voor analytisch, focus, detail en logica. Rechts voor creativiteit, flexibiliteit, het grotere plaatje en emotie; de 21-century skills. Onze hersenen zijn veel complexer dan deze tweedeling, maar ik merk dat de metafoor direct herkenning oproept:

We zijn goed in de rationele linker helft, die voert de boventoon in ons bedrijf.

Er is een enorme behoefte aan anders denken. Het lijkt wel alsof we onze rechter hersenhelft zijn kwijtgeraakt. Misschien omdat deze kenmerken moeilijk in een Excel sheet te vangen zijn?

Kijken en denken als een kunstenaar

Met onze programma’s weten we ieders creatieve rechter helft te activeren. Dit levert diezelfde middag nieuwe inzichten en ideeën op. Wat vaak minder aandacht heeft, is de impact op lange termijn. Met AimAtArt leer je kijken en denken als een kunstenaar. Deze 21-century skills leveren je ook na een traject veel op.

Het eerste resultaat is dat deelnemers meer enthousiast worden voor kunst. Ze gaan zelf nog een keer terug naar het museum. Ze schaffen een museumjaarkaart aan en bezoeken met de tips uit onze artikelen tentoonstellingen. Door deze positieve activatie van kunstliefde gebeurt er veel meer. Deelnemers gaan doodnormale dingen bevragen, bewust andere perspectieven opzoeken en onverwachte verbindingen maken. Het allerbelangrijkste: Je krijgt aandacht voor zaken die je eerst niet zag. Je leert beter kijken en gaat meer zien.

De kracht van kunstenaars

Binnen ons team merken we het zelf allemaal. Als we een tijdje niet naar een museum zijn geweest, geen nieuw kunstwerk hebben gezien of ons niet hebben laten inspireren door cultuur in de breedste zin van het woord, lekt de energie. Bij AimAtArt geloven we heilig in de kracht van kunstenaars. We zitten dan ook niet voor niets met ons kantoor aan het Museumplein. Zo duiken we tijdens de lunch met onze Museumkaart even een half uurtje het Stedelijk, Rijks of Van Gogh in. Onze kunstkalender met elke dag een nieuw kunstwerk zorgt ook voor veel inspiratie. Onze stagiaire Kunst deelt om de maand een overzicht kunstenaars die passend bij AimAtArt kunnen zijn. Zo weten we onszelf geïnspireerd te houden. Wat levert dit ons op?

Kunstenaars skills zijn een must

In ons werk hebben we steeds meer de skillset van kunstenaars nodig. Hoe blijven we zelf innovatief? Hoe gaan we om met onzekerheid? Hoe observeren wij bij onze klanten? Geven we dan ook aandacht aan wat niet direct zichtbaar is? Wat doen we daar vervolgens mee? Bevragen we doodnormale dingen? En vragen we door, en nog een keer door? Allemaal vragen die ons bezighouden en waarvan we veel kunnen leren van kunstenaars. Daarom belichten we in deze artikelenreeks elke keer een andere kwaliteit van kunstenaars aan de hand van een typisch kunstwerk. We delen ook met je hoe je deze skill bij jezelf kunt stimuleren.

Voorproefje

Kan je niet wachten tot het volgende artikel online komt, luister dan alvast # 219 van People Power Podcast; Een kunstenaar is onzekerheidsvaardig met kunstenaar Merlijn Twaalfhoven

Bekijk de wereld door de ogen van Hockney!

Het was overal in het nieuws en bijna niet te missen: de nieuwe tentoonstelling over David Hockney en Vincent van Gogh. Ook wij van AimAtArt willen nog iets toevoegen aan wat er al over deze bijzondere kunstenaar is gezegd en geschreven. Hockney heeft ons weer even wakker geschud en nieuwe perspectieven laten zien. Iets waarin we normaal gesproken juist onze klanten begeleiden. Een ware eye-opener!

Eerst even een korte introductie op de tentoonstelling. Daarin worden de gelijkenissen tussen Hockney en Van Gogh benadrukt. Beide kunstenaars hebben hun inspiratie uit de natuur gehaald, en dat is goed terug te zien in hun werk. Grootse landschappen of juist gedetailleerde tekeningen van planten en bloemen. De liefde voor de natuur spat er vanaf.

AimAtArt

Écht kijken

“I’ve always found the world quite beautiful, looking at it. Just looking. And that’s an important thing I share with Vincent van Gogh: we both really, really enjoy looking at the world.”

Aldus Hockney. Volgens hem begint het allemaal met kijken. Het is belangrijk om goed te kijken en niet alleen de oppervlakte van de dingen om je heen te zien. Zo kom je er bijvoorbeeld achter dat een grijze weg niet alleen maar grijs is, maar ook paars en blauw. Zijn werken bestaan uit felle kleuren en zijn een feest om naar te kijken. Het begin van de lente staat er in centraal. Dan is de natuur in bloei en op haar mooist. De schilderijen van Hockney lijken zelf ook in bloei te staan. Het plezier waarmee de kunstenaar de werken gemaakt heeft, is er duidelijk in terug te zien.

Een nieuwe blik

Les één is dus: heel goed kijken. Maar er is nog meer dat we van Hockney kunnen leren. Het feit dat hij vandaag de dag zulke landschappen schildert is eigenlijk heel bijzonder. Dit genre wordt namelijk als saai en ouderwets gezien, kortom: als iets van vroeger, waar we nu voorbij zijn. Hockney laat juist een nieuwe blik op de ‘saaie’ landschappen zien. Volgens hem is dit helemaal geen saai thema, maar is de verbeelding ervan saai. Het gaat erom hoe je ernaar kijkt, en wat je laat zien. Hier gebruikt hij ook nieuwe technieken voor, zoals een app op de iPad. Welke les we hieruit kunnen trekken? Probeer eens met een andere blik naar iets vervelends of saais binnen je eigen werk te kijken. En zoom juist in op het element dat daarin nuttig, mooi of goed is. Door dat te doen, komt het al in een heel ander daglicht te staan.

AimAtArt

Nieuwe perspectieven

Binnen alle werken in de tentoonstelling speelt Hockney met perspectief. Hij gebruikt niet, zoals traditioneel is binnen de schilderkunst, een verdwijnpunt, maar schildert de dingen zoals we ze zouden zien. Daarom ‘klopt’ het niet allemaal, omdat hij vanuit verschillende hoeken schildert. Toch komt het wel overeen met de werkelijkheid. Als we naar een boom kijken, blijven we niet naar één punt staren, maar wisselt onze blik ook steeds. We hebben telkens een ander perspectief. En dat is een laatste goede les: blijf steeds nieuwe perspectieven uitproberen. Op die manier zie je steeds iets anders, en dat is belangrijk om fris te blijven en jezelf te kunnen ontwikkelen. En last but not least: heb plezier! Dat heeft Hockney overduidelijk ook gehad. Op zijn oude dag (hij is 81!) is hij nog steeds ontzettend enthousiast over zijn werk en schildert hij er nog op los. Doe dus morgen naar je werk een Hockney-bril op en ga aan de slag!

De tentoonstelling Hockney – Van Gogh: The Joy of Nature is t/m 26 mei 2019 in het Van Gogh Museum in Amsterdam te zien.

Credits afbeeldingen:

Afbeelding 1: ‘David Hockney’, Van Gogh Museum Amsterdam

Afbeelding 2: David Hockney, ‘Het aanbreken van de lente in Woldgate’, 2011, Van Gogh Museum Amsterdam

2019: 10 jaar AimAtArt – CreativiTIJD

2019 is het jaar dat AimAtArt 10 jaar bestaat. In die 10 jaar hebben we ongelooflijk veel gezien en ontdekt. We hebben samengewerkt met bijna alle rollen in organisaties: directeuren, HR-managers, secretaresses, uitvoerders en leidinggevenden. Honderden bedrijven werkten het afgelopen decennium met ons aan hun creatief vermogen. Van bouwbedrijven tot banken, van ingenieurs tot IT en van offshore tot overheid. En na al die duizenden mensen die we hebben ontmoet, is ons een ding duidelijk geworden: de tijd is rijp voor creativiteit. Alleen ‘hebben’ we geen tijd. Daarom viert AimAtArt haar 10-jarig bestaan komend jaar met het thema: CreativiTIJD.

Back to 2009
Even terugblikken naar de start van AimAtArt. Tijdens onze studie Kunstgeschiedenis ontdekten wij, Emily en Emilie, de vernieuwingskracht van kunstenaars. We leerden dat kunstenaars zich steeds weten te vernieuwen en zichzelf opnieuw uitvinden. We ervoeren dat kunst de blik verruimt en dat het wisselen van perspectief daardoor makkelijker gaat. Voor ons was het helemaal duidelijk: kunst is er niet alleen voor de liefhebber maar het heeft iedereen wat te bieden. Deze inzichten vormden het fundament van AimAtArt. In 2009 zaten we nog midden in de financiële crisis. Processen werden strakgetrokken en je moest vooral niet je hoofd boven het maaiveld uitsteken. Als bedrijven met de toekomst bezig waren, was het duurzaamheid. Creativiteit was iets voor erbij. Maar in de afgelopen 10 jaar is creativiteit gegroeid van ‘nice to have’ naar ‘need to have’.

10 jaar creativiteit
In die 10 jaar zagen we open gesprekken over de toekomst ontstaan. We zagen MT’s die inspiratie vonden om hun nieuwe visie over te brengen. We zagen collega’s begrip voor elkaars perspectief krijgen. We zagen mensen zich weer kind voelen en met plezier naar hun werk gaan. We zagen mensen successen behalen met hun nieuwe ideeën. We zagen mensen hard werken om tot nieuwe oplossingen te komen. We zagen mensen worstelen met een andere manier van denken. We zagen de kracht van beeld gebruikt worden om anderen te inspireren en te overtuigen. We zagen mensen afhaken en weer terugkomen. We zagen mensen die eindelijk thuiskwamen en hun creativiteit mochten gebruiken. Kortom, we zagen mensen zich openen, verbinden, ontdekken, vernieuwen en veranderen.

Tijd voor creativiteit
En tegelijkertijd zien we nu organisaties worstelen met vernieuwing en creativiteit. Hoe integreren we andere manieren van denken binnen de bestaande processen? Hoe krijgen we creatief denken tussen de oren van alle mensen? Hoe gieten we innovatie in een duidelijk proces? Hoe maken we creativiteit praktisch en toepasbaar? En vooral: hoe maken we tijd voor creativiteit? Tijd is de grote uitdaging. Ook dat zal weinigen verbazen. In onze onderzoeken naar innovatiecultuur komt werkdruk als één van de grootste hick-ups voor vernieuwing uit de bus. Door deze werkdruk zijn we geneigd om ons te richten op de korte termijn en de acties die vandaag urgent zijn. Het lukt ons nauwelijks om afstand te nemen, het juiste vraagstuk te bepalen en een ander perspectief te verkennen of iets nieuws te proberen. Tijdgebrek dus..

CreativiTIJD
Creativiteit en tijd zijn aan elkaar gewaagd. Enerzijds helpt tijdsdruk om tot ideeën en oplossingen te komen. Anderzijds heeft creativiteit tijd nodig. Want creativiteit heeft reflectie nodig. Creativiteit heeft inspiratie nodig. Creativiteit heeft incubatietijd nodig. Creativiteit heeft nieuwe perspectieven nodig. Creativiteit heeft experiment nodig. Creativiteit heeft verdieping nodig. Kortom: CreativiTIJD. In 2019 gaan we jou uitdagen om meer tijd te maken voor creatieve tijd. Diverse invalshoeken van CreativiTIJD komen aan bod, van praktische tips tot verdiepende reflectie en toekomstperspectieven. De pijlers van AimAtArt – kunst en wetenschap – zijn hierin leidend. Kunst om jou uit te dagen om anders te kijken en je eigen creatief potentieel te vergroten. Wetenschap voor diepgaande kennis en het vertalen van de nieuwe inzichten naar de praktijk.

2019: wij wensen je veel creativiTIJD!

Emily de Valk & Emilie Vermeer

Een andere kijk op communicatie – laat je inspireren door Banksy

De stunt uitgevoerd door de quasi anonieme en controversiële straatkunstenaar Banksy zal je vast niet ontgaan zijn. Het lijkt er op dat tegenwoordig alles wat deze kunstenaar doet op televisie, social media en in kranten over de hele wereld verschijnt. Menig marketing afdeling is jaloers op deze impact. Dat brengt ons bij de vraag: valt er wat te leren van Banksy als het gaat om communicatie en impact maken?

Kunstwerken met impact
De betreffende stunt vond plaats op 5 oktober bij Sotheby’s, een veilinghuis in Londen. Het heeft de kunstwereld geschokt en zal de kunstgeschiedenis ingaan als het eerste performance kunstwerk dat is gemaakt tijdens een veiling (nu met de nieuwe titel ‘Love is in the Bin’ (2018)). Een kenmerkend werk voor Banksy. Want zoals je misschien wel weet, staat straatkunstenaar Banksy bekend om zijn absurditeit. Zo plaatste hij stiekem kunst in tentoonstellingsruimtes, zonder dat dit werd opgemerkt door het museum personeel, bijvoorbeeld in het MoMA in New York.

De boodschap kracht bijzetten
Banksy gebruikt dus kunst voor het maken van een statement. Hij wil mensen hun ogen openen. Vergelijkbaar met wat we doen bij AimAtArt. We gebruiken kunst om mensen vanuit een ander perspectief te laten kijken naar hun eigen vraagstukken. Terug naar Banksy, op die dag in oktober plaatste hij eerst een foto en daarna een filmpje op zijn eigen Instagram account. Bij het maken van het iconische schilderij ‘Girl with Balloon’ verstopte hij een versnipperaar aan de onderkant van de lijst. Op de avond van de veiling brak dit schilderij het vorige record van Banksy. Het werd verkocht voor 1.4 miljoen pond. Toen het schilderij geveild werd, werd de helft van het kunstwerk vernietigd door de versnipperaar. Van het ene op het andere moment was het kunstwerk voor een deel geruïneerd voordat het werd meegenomen door het gechoqueerde personeel van Sotheby’s. Banksy stelde hiermee zijn plek veilig in de kunstgeschiedenis.

Zoveel mogelijk mensen bereiken
Hoeveel impact maken de huidige communicatiemiddelen in jouw organisatie? En hoe kunnen deze zo maximaal mogelijk ingezet worden? Neem Banksy als inspiratiebron en durf anders te zijn. Hij creëert content waar je een mening over kan hebben en plaatst het in de publieke ruimte – het internet. En juist dat openbare karakter trekt zoveel mensen aan. Daardoor wordt zijn kunst gezien als toegankelijk en makkelijk te interpreteren voor iedereen. Menig merk of bedrijf droomt van deze impact. Dus begin met denken: op welke manier kan jouw organisatie – of afdeling of team – zoveel mogelijk mensen bereiken?

Creëer iets dat niet ongezien voorbij gaat.
Creëer een keerpunt voor jouw bedrijf.

Kortom: Get your Banksy-on!

Wil je weten hoe AimAtArt je hierbij kan helpen? Klik hier

AimAtArt

Technologie: een tweesnijdend zwaard

Nieuwe technologieën schudden ons wakker en bieden kansen. We lezen over de economische kansen en de doemscenario’s. Maar hoe zit het met de ethische kant; welke rol willen we dat technologie speelt in ons leven? Hierover ging AimAtArt tijdens de Toekomstexpeditie op kunstmanifestatie ROBOT LOVE in gesprek met vooruit-denkers van verschillende organisaties. ROBOT LOVE, dat fungeerde als decor van dit debat, leverde met intrigerende kunstwerken prangende gespreks- én eyeopeners op.

Kunstenaars zijn onze begeleiders in vernieuwing

Nu onze gedachten door technologie en algoritmes worden bepaald, is het cruciaal dat we onszelf blijven trainen om andere perspectieven op te zoeken. Om te voorkomen dat we te eenzijdig worden geïnformeerd. Juist bij ontwikkelingen zoals robotica en kunstmatige intelligentie. Ontwikkelingen die veel impact hebben, maar waarop we nog geen grip hebben. Die andere perspectieven bieden kunstenaars. Want als de kunstgeschiedenis iets heeft bewezen, is dat het loont om kunstenaars te volgen in dynamische tijden vol verandering. Kunstenaars weten als geen ander de ontluikende toekomst tastbaar te maken. Zoals internetpionier Marleen Stikker het in Zomergasten al benoemde: ‘Kunstenaars zijn onze begeleiders in vernieuwing’.

ROBOT LOVE maakt tongen los

AimAtArt is partner van kunstmanifestatie ROBOT LOVE in innovatiestad Eindhoven. ROBOT LOVE vraagt aandacht voor de ingewikkelde dilemma’s waartoe de technologie ons uitdaagt. Het heeft een optimistische benadering van kunstmatige intelligentie en robotica, juist omdat het ons ook kansen biedt betere mensen te worden. Tegelijkertijd biedt ROBOT LOVE ook ruimte voor de minder fraaie scenario’s. Een verrijkende setting dus om innovatiemanagers aan de tand te voelen over dilemma’s als: Vertrouwen we op machines of mensen? Tot hoever reikt onze invloed? Waar ligt de grens als het gaat om ethiek versus tech? Smelten we samen met machines of staan we tegenover elkaar?

 

Gesprekken van 30jaar geleden

Sommige genodigden vroegen zich af of dit de gesprekken van 30 jaar geleden waren. Toen we ons afvroegen of we ooit al onze privé en zakelijke informatie klakkeloos op een onzichtbaar net zouden gooien in ruil voor likes. En toen we het nog hoogst onwaarschijnlijk vonden dat je je levenspartner via een algoritme zou vinden. Is alles wat nu nog ongemakkelijk voelt misschien dus een fase en weten we straks niet beter dan dat we allemaal een robotkloon van onszelf hebben? Of moeten we juist nu een grens trekken aan wat er technisch mogelijk is? De conclusie van de Toekomstexpeditie was dan ook dat er geen algemene conclusie te formuleren valt. De meningen zijn te verdeeld als het gaat om deze grote thema’s. Ook bij de aanwezige innovatiemanagers.

Twee kampen

Het is echt een tweesnijdend zwaard. Aan de ene kant heeft technologie zoveel voordelen; robots ontwikkelen zich sneller dan mensen, kunnen menselijke capaciteiten enorm vergroten, bijdragen aan zorg, etc. En aan de andere kant zijn er zoveel ethische kwesties en ambivalente gevoelens over wanneer ‘onze menselijke normen & waarden, gedragingen en ons geweten’ niet meer menselijk zijn.
Technologie bevindt zich duidelijk in een paradox. Misschien is dit zelfs de nieuwe kloof in de samenleving. Waarbij de ene groep pro-tech is en de andere zich er fel tegen verzet. Er werd geopperd dat dingen een keer echt fout moeten gaan en dat we dan pas in actie komen. Wanneer technologie een probleem oplost, maar bijvoorbeeld in de knel komt met onze ethische waarden. Voor het zover is moeten we het gesprek blijven voeren, want daarover waren de genodigden het vooral eens. Er is nog zoveel te bespreken en zijn we er niet al te laat mee?

Menselijke maat is leidend

Als technologie ondersteunend blijft aan de mens, ziet een deel van de vooruit-denkers de toekomst positief. Een aantal keren werd gezegd dat – naast mensen – bedrijven hierin ook een grote verantwoordelijkheid hebben. Verder werd er geopperd dat we er ook maar gewoon mee moeten gaan experimenteren. Deel een klein onderdeel van je data maar eens online en kijk wat er gebeurt. We zullen er hoe dan ook aan moeten geloven. Over 1 ding waren alle genodigden het eens: het werkt om de blik van kunstenaars te betrekken bij deze vraagstukken. Je wordt emotioneel geraakt, je verbeeldingskracht wordt geactiveerd en nieuwe invalshoeken worden zo verkend. Precies wat het bedrijfsleven nu nodig heeft.

  • Ook naar ROBOT LOVE om dit gesprek met je collega’s en/of klanten te voeren? Neem contact op met Emilie Vermeer voor meer informatie.
Credits Afbeeldingen
Foto 1: In gesprek met Annelies – L.A.Raeven, Annelies looking for completion – 2018
Foto 2: Roger Hiorns, ‘Beings’, 2014-18
aleksandra-domanovic-things-to-come-2014

Robot Love – Tech vs mens of een technische mens?

Nieuwe technologieën schudden ons wakker en bieden kansen. Die kansen worden niet altijd belicht. In de media ligt veel nadruk om de doemscenario’s (straks zitten we zonder banen) of wordt alleen de economische kant belicht. Er wordt te weinig ingegaan op de ethische vraagstukken: Welke relatie gaan wij mensen aan met technologie? En welke rol willen we dat technologie speelt in ons leven? De kunstmanifestatie Robot Love start vanuit het gegeven dat technologie niet meer weg te denken is uit onze samenleving en daagt ons daarom uit om na te denken over de fundamentele vraag: Wie zijn we en wat willen we worden, een samensmelting van tech met vlees en bloed?

Meegaan met technologische vooruitgang

Want dat we met deze vraag iets moeten is wel duidelijk. Maar wat betekent het om een robot als collega te hebben? Kan je zakendoen met een androïde en hoe ziet zo’n relatie er dan uit? Wat is de impact van A.I. op ons dagelijks werk? En solliciteren via een algoritme, welke mogelijkheden biedt dat voor onze organisatie? En zo kunnen we nog wel even doorgaan. Allemaal vragen die dit najaar vanuit een verrassende invalshoek worden belicht: namelijk vanuit het perspectief van 50 internationale top-kunstenaars. Dit maakt een bezoek aan Robot Love een must voor elke organisatie die zijn vizier op de toekomst heeft gericht!

stephanie-dinkins-conversations-with-binna48-still-2014-ongoing

Denkkaders oprekken

Waarom spelen kunstenaars hierin een navigerende rol? Kunstenaars weten als geen ander de ontluikende toekomst tastbaar en inzichtelijk te maken. Door het te omarmen en ermee te spelen. Als de kunstgeschiedenis ons iets heeft bewezen, is het dat het loont om kunstenaars te volgen. Om de toekomst te verkennen en om die vorm te geven. En juist dat is waar bedrijven vandaag de dag op worden gechallenged. Elke organisatie – de één sneller dan de ander – zal stelling moeten gaan innemen over de rol van technologie. Welke positie nemen we in als het gaat om technologische ontwikkelingen en de toekomst van onze organisatie en mensen?

Om te voorkomen dat robotisering en A.I. holle frasen worden, is het hoog tijd dat business professionals daar – op een radicaal andere manier – met elkaar over in gesprek gaan.

Wat heeft Robot Love te bieden?

De kunstwerken op Robot Love prikkelen om na te denken over de impact van technologie op de maatschappij en ons mens-zijn. Op hoe we werken en leven. Het biedt handvatten om te reflecteren op de rollercoaster waar we met elkaar inzitten sinds de uitvinding van het internet.

Gegarandeerd levert een bezoek o.l.v. AimAtArt nieuwe ideeën en inzichten op en inspireert het om met de vragen die het oplevert, aan de slag te gaan. Kortom, de vraag is niet meer kom je naar Eindhoven dit najaar, maar WANNEER kom jij naar Eindhoven?

 

Als organisatie het gesprek over de toekomst aangaan? Lees hier hoe AimAtArt daarbij kan helpen.

Lees meer over Robot Love.

Tegenpolen samenbrengen is de toekomst

In het Stedelijk Museum in Amsterdam is nu de tentoonstelling ‘Coded Nature’ van Studio Drift te bezichtigen. Deze tentoonstelling biedt een mooie inspiratiebron om op een positieve manier na te denken over de toekomst. Daarin staan natuur en technologie niet tegenover elkaar, zoals dat nog vaak wordt gezien, maar werken ze juist samen.

Studio Drift is opgericht door Lonneke Gordijn en Ralph Nauta. Dit kunstenaarsduo werkt samen met softwareontwikkelaars en ingenieurs voor de totstandkoming van allerlei grote installaties. De relatie tussen mens, natuur en techniek staat daarbij centraal. Op het eerste gezicht een onnatuurlijke combinatie: technologie en kunst. Toch blijkt de uitkomst alles behalve dat, want er komen de mooiste dingen uit voort.

Natuur nabootsen met techniek

De beweegredenen van de kunstenaars komen voort uit een drang om elementen uit de natuur na te bootsen. Iets dat erg ingewikkeld is, maar met huidige high tech-ontwikkelingen steeds beter lukt.

En waarom de natuur nabootsen? Het eindeloze aanpassingsvermogen en zich telkens willen verbeteren zit in de mens, maar ook in de natuur. Door tegenpolen samen te brengen, ontstaat er juist een mogelijkheid tot ontwikkeling en harmonie.

Een voorbeeld is ‘Flylight’, dat een zwerm vogels uitbeeldt door middel van knipperende led-lampjes. Met bewegingssensoren reageren de lampjes op het publiek, maar ook op elkaar, zoals bij echte vogels. Natuur en technologie komen op deze manier samen op een hele natuurlijke manier: de associatie met een zwerm vogels is snel gemaakt. De vogel is hét symbool voor vrijheid, maar laat in een zwerm juist het mooie van het collectief zien. Het gaat om de balans tussen het individu en de groep, dat ook op de mens toepasbaar is.

De verbinding tussen mens, natuur en technologie

Een ander voorbeeld is ‘Meadow’. Deze installatie bestaat uit een aantal lampen die doen denken aan bloemen en steeds op en neer vanaf het plafond gaan. Bij de val klappen de ‘bloemblaadjes’ open, en is er meer licht. Achter dit werk zit een intensief proces verborgen, waarbij ingenieuze patronen moesten worden geknipt en er ingewikkelde software nodig was voor het op-en-neer gaan van de lampen. Deze samenwerking zorgde voor dit prachtige resultaat.

Verschillen overbruggen door uitdagingen aan te gaan

Deze tentoonstelling laat de mogelijkheid van een samenwerking tussen verschillende disciplines zien. In vrijwel alle sectoren is dat onderwerp actueel: de verbinding tussen mens, natuur en technologie. Studio Drift laat zien wat er op dat gebied mogelijk is, door niet bang voor deze verschillende werelden te zijn maar juist de uitdaging aan te gaan. Zo creëren ze harmonieuze werken en een positief toekomst beeld. Hoe kijk jij naar de toekomst? Doe t/m 26 augustus inspiratie hiervoor op in het Stedelijk Museum.

Benieuwd hoe je zelf innovatief kunt zijn binnen je vakgebied? Lees hier hoe Piet Mondriaan dit deed.

Credits voor de afbeeldingen: Stedelijk Museum
1: Studio Drift, ‘Flylight’, 2018
2: Studio Drift, ‘Meadow’, 2018

 

 

 

Zo ontstaan meesterwerken: geef vrijheid aan invulling van de bedrijfsvisie!

In hoeverre is er in jouw bedrijf ruimte voor een eigen invulling van de bedrijfsvisie? Laat je inspireren door de Bechers!

Om je doelstellingen te behalen, heb je een duidelijke visie en bijbehorende strategie ontwikkeld. Wat is de ruimte die de mensen in je organisatie krijgen om op hun eigen wijze die strategie te realiseren? En is die vrije ruimte wenselijk of wil je juist dat je mensen met militaire precisie op jouw manier werken? Laat je inspireren door Düsseldorfer Photoschule en ontdek hoe een duidelijke visie ook ruimte biedt voor eigen invulling. En dat dit juist tot mooie resultaten leidt!

Het lijkt alsof er van de Kunstacademie te Düsseldorf alleen maar bekende fotografen komen. Een voorbeeld hiervan is Andreas Gursky. Een van zijn meesterwerken werd voor meer dan 4 miljoen dollar verkocht. Maar ook Thomas Ruff en Axel Hütte zijn grote namen in de fotografiewereld. Zij zijn alle drie student geweest van het fotografie koppel Bernd en Hilla Becher. Hun formele en conceptuele benadering van het fotograferen sloeg enorm aan bij hun leerlingen. Deze uitgangspunten zijn bij al hun studenten te herkennen, maar wel elk met een eigen draai.

 

 

De docenten Bernd en Hilla Becher

De Bechers gaven les aan de Photoschule in de jaren 80 van de twintigste eeuw. Het werk van dit duo heeft duidelijke kenmerken. Deze kenmerken zijn door hun hele oeuvre verwerkt. Ze zijn begonnen met het fotograferen van industriële onderwerpen, zoals hoogovens, mijnkranen en gastanks. Deze onderwerpen werden uitvoerend in het midden en op dezelfde hoogte gefotografeerd en op klein formaat afgedrukt. Hierdoor oogt het erg zakelijk, maar ook erg registrerend. Verder ziet het werk er erg afstandelijk uit, want je kunt je er niet mee identificeren. Bij het werk ‘Gas Tanks’ is dit goed te zien. Op een formele manier zijn de tanks op de foto gezet, want ze zijn allemaal op precies dezelfde manier gefotografeerd. Deze afstandelijke en objectieve blik namen de leerlingen ook over.

 

 

Thomas Ruff en Andreas Gursky

Vanuit bovenstaande visie leerden de studenten van de Bechers kijken en fotograferen. Binnen deze duidelijke koers zochten ze de ruimte op, om hier hun eigen invulling aan te geven. Zo besloot Thomas Ruff een zijweg in te slaan. Hij ging als eerste van de academie fotograferen in kleur. Verder maakte Andreas Gursky zelfs de keuze om enorme taferelen te fotograferen en dit op groot formaat weer te geven. Daarnaast ging hij ook experimenteren met digitale technieken, om zo zijn foto’s te bewerken. Het was mogelijk voor al deze fotografen om hun eigen signatuur te ontwikkelen, omdat er ruimte was voor experiment. Naast alle formele uitgangspunten werden nieuwe ontwikkelingen op deze school juist gestimuleerd. Als een werknemer een eigen invulling toevoegt, hoeft dit niet te betekenen dat hij of zij niet meer vanuit eenzelfde visie of overtuiging werkt. Want ondanks alle experimenten bleven Ruff en Gursky werkzaam binnen dezelfde stijl als de Bechers. De observerende en registrerende houding is in elk werk te herkennen. In het werk ‘Nacht 2 I’ van Ruff en in ‘Mercedes Rastatt’ van Gursky is dit ook te zien. Beide werken tonen een objectieve en formele sfeer, omdat de foto niet het doel heeft om emotie op te wekken. Beide fotografen hebben een hele registrerende houding ingenomen, omdat ze een moment hebben vastgelegd dat niet uniek is. Het zijn alledaagse objecten, die puur zoals ze zijn worden weergegeven. Dit komt overeen met de stijl van de Bechers, omdat zij ook alledaagse objecten vastlegden met een duidelijke registrerende houding. Alle foto’s tonen een bepaald overzicht, ze leggen een situatie vast zoals hij is.

 

 

Laat je inspireren door hoe Bernd en Hilla Becher hun stijl overdroegen op anderen, maar daarbinnen dus wel de ruimte boden voor vernieuwing en experiment. Op deze manier maakten ze het ontwikkelen van een eigen signatuur mogelijk voor een nieuwe generatie kunstenaars. Deze nieuwe generatie kunstenaars heeft sterk bijgedragen aan het wereldberoemd maken van de fotografie van de Bechers. Dus zorg voor een heldere visie en laat daarbinnen ruimte voor eigen invulling en je medewerkers zullen je verrassen en jouw visie een stap verder brengen. Ga eens bij jezelf te rade, hoe helder is jouw visie? En welke ruimte geef je de mensen in jouw organisatie om hier hun eigen draai aan te geven?midd

Mocht je geïnteresseerd zijn geraakt in de fotografen van de Düsseldorfer Photoschule, ga dan zeker even langs bij Huis Marseille! Dit fotografiemuseum aan de Keizersgracht in Amsterdam wijdt tot 3 juni 2018 een tentoonstelling aan het leermeesterschap van de Bechers en hun leerlingen.

Lees hier meer over de tentoonstelling.

Ben je benieuwd hoe jij pionier wordt in eigen vakgebied? Lees hier onze blog.

Credits foto’s huis Marseille:
Bernd & Hilla Becher, ‘Gas Tanks’, 1983-1992.
Andreas Gursky, ‘Mercedes Rastatt’, 1993.
Thomas Ruff, Nacht 2 I, 1992.

 

 

Leiderschap en creativiteit: interview met Roy Sijbom

Roy Sijbom is dé expert op het gebied van leiderschap en creativiteit. Hij promoveerde op dit onderwerp en is nu universitair docent arbeids- en organisatiepsychologie aan de Universiteit van Amsterdam. AimAtArt werkt samen met Roy om de laatste onderzoeken over hoe je als leidinggevende creativiteit kunt stimuleren te vertalen naar onze leiderschapsprogramma’s. We spraken uitgebreid met Roy en zetten een aantal leerzame lessen voor je op een rijtje:

In hoeverre heb je als leidinggevende invloed op de creativiteit van je team?

Leidinggevenden vervullen een zeer belangrijke rol als het om creativiteit binnen organisaties gaat. Ze vervullen namelijk een centrale en relatief machtige positie binnen de werkcontext, en kunnen dus signalen afgeven in de werkomgeving die creativiteit stimuleren bij hun medewerkers. Naast deze ‘stimulerende’ rol, hebben leidinggevende ook de taak om creatieve ideeën van medewerkers te ‘evalueren’. Ze moeten dus het kaf van het koren zien te scheiden, en enkel tijd, geld en energie steken in ideeën die in potentie bruikbaar zijn. Kortom, de leidinggevende heeft op meerdere manieren invloed op creativiteit.

Wat zijn kenmerken en/of gedragingen van een leider die creativiteit stimuleert?

Ik ben altijd wat terughoudend om een aantal concrete kenmerken/gedragingen te benoemen omdat dit vaak afhankelijk is van de specifieke situatie en context. Op basis van de beschikbare literatuur zijn er echter wel aantal elementen die consequent gunstige effecten laat zien. Zo blijkt dat het geven van een bepaalde mate van autonomie door de leidinggevende aan medewerkers bevorderend is voor hun creativiteit. Ook de ervaren steun van medewerkers door hun leidinggevenden is bevorderend voor creativiteit van medewerkers. Een laatste kenmerk dat direct bijdraagt aan creativiteit betreft de relatie tussen medewerker en leidinggevende, hoe beter deze relatie, hoe meer creativiteit medewerkers tonen.

En heb je een tip hoe je als leidinggevende creativiteit kan stimuleren?

Zoals gezegd is ondersteuning belangrijk. Het is belangrijk dat medewerkers het gevoel hebben dat ze voldoende ondersteund worden. Als leidinggevende kun je dit doen door de directe communicatie met je medewerkers; geef ze het gevoel dat creativiteit wordt gewaardeerd. Zorg ook dat er duidelijkheid is over de beschikbare middelen om creatieve ideeën te realiseren. Ook niet geheel onbelangrijk, geef feedback aan de medewerker over wat er met hun creatieve ideeën is gedaan. Zeker in het geval er niets meer wordt gedaan, is het goed om dit duidelijk en te communiceren.

Leiderschap en creativiteit concreet maken? Bekijk één van onze voorbeeldcases, zoals de module creativiteit voor managers van Facilicom.

Hoe word je net zo’n vernieuwer als Mondriaan? Feedback!

Het was het jaar van De Stijl. De kenmerkende blauwe, gele en rode vlakjes zagen we overal terug. Piet Mondriaan is het boegbeeld van De Stijl. Maar hoe is hij tot die radicale nieuwe beeldtaal gekomen? Een beeldtaal die 100 jaar na dato nog steeds fris en modern aanvoelt. Wat kunnen wij leren van deze meester vernieuwer? Hier zijn vele antwoorden op mogelijk, graag belichten we in deze blog het thema feedback.

Gezamenlijke zoektocht naar vernieuwing

Feedback was de voedingsbodem van de interactie tussen Bart van der Leck en Mondriaan. De interactie tussen deze twee lag ten grondslag aan de radicaal nieuwe kunst.

In 1916 ontmoetten ze elkaar in Laren, toen een levendig kunstenaarsdorp. Beiden waren volop bezig met de zoektocht naar die nieuwe kunstvorm. Want bij deze moderne tijd in het begin van de 20ste eeuw, hoorde een nieuwe beeldtaal. Ze vonden elkaar in een gemeenschappelijk missie en bewandelen zo een anderhalf jaar samen het pad naar vernieuwing.

Vernieuwen door feedback

Ze zochten elkaar regelmatig op, soms zelfs dagelijks. De discussies over de toekomst van de kunst bracht hun ontwikkeling in sneltreinvaart. Door naar elkaars werk te kijken, te luisteren naar elkaars ideeën en visie op de toekomst, raakten ze geïnspireerd. Zo gebruikte Van der Leck als eerste de primaire kleuren rood, geel, blauw. Waar Mondriaan de rest van zijn carrière mee schilderde en zo wereldberoemd is geworden. Naast directe inspiratie, stimuleerden ze elkaar. De kunstenaars waren aan elkaar gewaagd. Ze experimenteerde graag, daagden elkaar uit en vroegen naar elkaars progressie. De twee durfden ook kritisch te zijn. Ze gaven elkaar aan de lopende band feedback. Die feedback pasten ze dan direct toe in hun werk. Om hier de volgende dag weer verder over te filosoferen. De discussies konden ook hoog oplaaien. Zo was de diagonale streep voor Mondriaan een no-go en kon hij niet begrijpen waarom Van der Leck dat nog gebruikte. Toen er te veel verschillen ontstonden in hun werkwijze en ideeën groeiden de kunstenaars uit elkaar.

Lessen van Mondriaan

De interactie tussen de twee kunstenaars heeft er toe bijgedragen dat beide kunstenaars vergaande stappen hebben gezet in hun carrière. Hun vernieuwingsdrang werd gevoed en ze werden geprikkeld om een stap verder te gaan. Wil jij ook vernieuwen? Zoek dan een Van der Leck! Zoek iemand met een zelfde overtuiging en creëer zo een dynamiek dat jullie elkaar tot grotere hoogte brengen. Bevraag ook elkaars gedachtes en acties.

Durf ook kritisch te zijn en moeilijke vragen te stellen. Want alleen dan breng je elkaar tot grotere hoogte en schuilt er wellicht een Mondriaan in één van jullie.

Meer over Mondriaan en Van der Leck? Lees hier de blog die we er eerder over schreven.